Bodhisattva de pie. Museo Cernuschi. París.

 

Esta estatua representa a un Bodhisattva de pie, una deidad que personifica la compasión infinita, posiblemente Avalokiteśvara o Maitreya, figuras centrales en el budismo que posponen su propia iluminación para ayudar a otros.

Su procedencia es China, específicamente del periodo del emperador Yongle (1403-1424), durante la dinastía Ming. Es una escultura de bronce dorado, lo que le otorga ese brillo tan potente y característico y una apariencia de gran lujo.

La estatua refleja una fusión de estilos; combina la elegancia y el naturalismo de la escultura china con la sensualidad y los ornamentos propios del arte tibetano y nepalí. Esto se debe a la estrecha relación política y religiosa entre la corte de los Ming y el Tíbet en esa época. 

Es considerada una de las obras más refinadas de la escultura budista del siglo XV por su equilibrio perfecto entre majestad y serenidad.

Ocio Inteligente: para vivir mejor: Lugares (99): París. Museo Cernuschi.

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Fotos: Javier Nebot

Jarrón Vase Lei. Museo Cernushi. París.

 

Esta pieza de bronce fundido es un Vase lei, una vasija ritual de gran tamaño para bebidas fermentadas (vinos y similares) utilizada en China durante el periodo de los Zhou (aprox. siglos XI-X a.C.).

Lo más distintivo es la figura que corona la tapa: una criatura mítica similar a un lagarto sentada con su cola enrollada.

En la parte superior del cuerpo (los "hombros" del jarrón), presenta cuatro figuras de animales con trompas curvadas, que a menudo se identifican como elefantes.

 Está adornado con máscaras taotie (monstruos míticos) dispuestas de forma inusual, situadas en la parte inferior del vientre y no alineadas con las asas.

Vase lei 罍 | Musée Cernuschi

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Fotos: Javier Nebot

Incensario japonés de bronce. Museo Cernuschi. París.

 

El incensario de bronce (conocido en Japón como kōro), con forma de dragón, que está casi en el vestíbulo del Museo Cernuschi es una de las obras más llamativas y perfectas -al menos para el que esto escribe- de todo el museo.

Fue realizada por el artista japonés Kimura Toun, un reconocido maestro fundidor de la era Meiji, durante el periodo Edo (probablemente finales del siglo XIX). Se trata, como he mencionado antes,  de un incensario (kōro) en el que el cuerpo del dragón sirve como recipiente y el humo del incienso suele salir de forma evocadora a través de su boca abierta.

Brûle-parfum (kōro 香炉) au dragon | Musée Cernuschi

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En la cultura asiática, a diferencia de la occidental, el dragón es un símbolo de buena fortuna, de energía vital y de soberanía sobre los elementos de la naturaleza, especialmente el agua y las nubes.

La pieza destaca porque fue realizada con un increíble nivel de detalle tanto en las escamas como en la expresión dinámica de la criatura, lograda mediante la técnica de fundición a la cera perdida, que permite una gran flexibilidad en los detalles realistas.

Los jarrones a los lados son de estilo cloisonné, una técnica de esmaltado sobre metal muy popular en las dinastías chinas y el periodo Meiji japonés, que complementan la opulencia de la sala.

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Año Nuevo Lunar: el Museo Cernuschi prepara un fin de semana festivo y gratuito en París.

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Fotos: Javier Nebot

Luohan (o Arhat). Museo Cernuschi. París.

 

Se trata de una representación de un Luohan (o Arhat), un término que designa a los discípulos de Buda que han alcanzado un alto nivel de sabiduría espiritual.

 La estatua nos muestra a un Luohan sentado, muy posiblemente parte de un conjunto de figuras de discípulos. Proviene de China y data de la dinastía Ming (siglos XIV-XVII), específicamente del siglo XVI.

Está realizada en madera y laca con policromía. Aunque la mayor parte de su color original se ha perdido, todavía conservan en la escultura rastros de los pigmentos que la cubrían antaño.

Presenta un estilo característico del arte budista chino tardío, con una expresión de serenidad y concentración profunda, acentuada por la cabeza rapada y los lóbulos de las orejas alargados.

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Los Luohan son figuras veneradas en el budismo por ser seguidores ejemplares que, a través de la meditación y la disciplina, lograron liberarse del ciclo de renacimientos. 

En el museo, estas estatuas suelen estar ubicadas cerca de las representaciones principales de Buda o Bodhisattvas para simbolizar la comunidad de discípulos.

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Fotos: Javier Nebot

Buda Amitābha (o Amituofo en chino). Museo Cernushi. París.

 

La estatua proviene de la provincia de Hebei, China. Aunque su estilo sobrio evoca la estética de la dinastía Qi del Norte (550-577 d.C.), la pieza fue realizada durante la dinastía Liao (907-1125 d.C.) siguiendo ese estilo antiguo.

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Está tallada en mármol blanco y originalmente presentaba policromía (pintura de colores), de la cual aún se pueden apreciar algunos rastros. 

A pesar de que las manos están rotas, la posición de los antebrazos sugiere un gesto ritual de "bienvenida" (laiying en chino), que en el budismo de Asia oriental a menudo sustituye al signo de la enseñanza. 

En la aureola o halo que rodea al Buda, se pueden ver cinco niños pequeños rezando que emergen de flores de loto, lo que simboliza el renacimiento en la "Tierra Pura de la Bienaventuranza" (Sukhavati).

 En su frente le falta la joya que suele representar el "tercer ojo" o urna.

Buddha Amitābha | Musée Cernuschi

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Fotos: Javier Nebot

Buda Amida (Amitābha). Museo Cernuschi. París.

Gran estatua japonesa de bronce que representa al Buda Amida (Amitābha) sentado sobre un pedestal en forma de flor de lotus.

En esta escutltura Buda Amida  aparece con el gesto de Vitarka-Mudrā, con la mano derecha levantada simbolizando la transmisión de las enseñanzas. 

Es, desde luego, una de las piezas mas destacadas y hermosas de las colecciones japonesas del museo Cernuschi y tiene un tamaño muy considerable: 440 cm y 255 de ancho.

Archivo:Museo Cernuschi 20060812 154.jpg - Wikimedia Commons

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Fotos: Javier Nebot

Retrato de Erik Satie (1920/1924). Pablo Picasso (1881-1973)

 

Fundación Erik Satie (1866-1925) IMEC - Colecciones del Instituto Recuerdos de la Edición Contemporánea

Institut Mémoires de l'édition contemporaine | La colección Imec

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Retrato de Auguste Renoir (1919/1920). Pablo Picasso (1881-1973).

 

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Retrato de Max Jacob. Pablo Picasso (1881-1973).

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El pintor y su modelo. Pablo Picasso (1881-1973).

 

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Cabeza de hombre. Pablo Picasso (1881-1973)

 

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 Javier Nebot

Manifiesto intelectual.

  Manifiesto intelectual. 

1. Posición inicial.

Decido escribir este manifiesto como guía personal. Una meditada brújula con la que encauzar mis indagaciones culturales y mis intereses artísticos. 

No investigo por acumulación, ni por deseos de erudición vacía, ni mucho menos por fidelidad a un canon heredado de otros.

Investigo por un profundo deseo de comprender cómo los seres humanos han buscado sentido en momentos de crisis, transformación y pérdida. Mis campos de trabajo están guiados no solo por mis intereses históricos, sociales o estéticos, sino por un profundo anhelo existencial.

A propósito me sitúo en los márgenes de los relatos dominantes (que a veces me producen un gran rechazo por su parcialidad y ceguera), pero no lo hago por un afán de querer ser original o heterodoxo: lo hago porque creo que, en incontables ocasiones, solo en los márgenes se conservan las continuidades humanas que los discursos de ruptura radical suelen despreciar.

2. Sobre la Modernidad.

Rechazo una vision simplificada de la modernidad como progreso lineal o como destrucción necesaria del pasado. No creo en absoluto en adanismos y, mucho menos, en reescrituras interesadas de la historia. Entiendo la modernidad europea como un territorio de enormes tensiones en donde conviven:

-Ruptura y fidelidad.  

-Vanguardia y continuidad. 

-Fe residual y espiritualidad heterodoxa.

-Esperanza técnica y melancolía histórica. 

Me interesan de forma muy especial aquellos creadores que no gritan, aunque a veces puedan escandalizar en su época (y esto sea dicho a pesar de que haya "escandalizadores" profesionales que realmente, me fascinan). 

Admiro a aquellos personajes que son capaces de sostener una respuesta ética, estética o espiritual propia (auténtica) frente a un mundo que se desmorona.

3. Sobre el arte y la cultura.

El arte no es, para mi, un simple catálogo de estilos o una sucesiva colección de "ismos": Es una forma de pensamiento encarnado; una muy seductora -y muchas veces hipnótica- manera de pensar, sentir y trascender la realidad.

Creo que la pintura, la música, la literatura y el pensamiento, -también el cine, claro- pueden  estudiarse como respuestas simultáneas a las mismas preguntas:

- ¿Qué hacer con el tiempo?  

-¿ Cómo vivir en el momento que nos toca, sin anclarse en el pasado y sin desarraigarse del presente?

 -¿Cómo habitar la memoria?  

-¿Cómo vivir después la perdida, sin dejarse arrastrar por la melancolía o el inmovilismo?  

-¿Qué queda del ser humano tras la guerra, el exilio, la persecución ideológica o la particular e indeleble fractura interior?

No quiero -ni puedo, realmente- jerarquizar las obras por su posible impacto histórico inmediato, sino por la densidad humana que soy capaz de ver o intuir en ellas.

-4. Sobre las figuras olvidadas.

Reivindico el estudio de autores y artistas marginales o secundarios (hombres y mujeres), no como mera curiosidad sobre la veleidad de la memoria socio-histórica, sino como una verdadera necesidad epistemológica. En ellos se conservan, en muchas ocasiones:

-Formas de continuidad ética;  

-Resistencias silenciosas y, a veces, reprimidas; 

-Alternativas no triunfantes (pero dignas de tenerse en cuenta) a la narrativa imperante del progreso perpetuo.

En mis indagaciones y trabajos busco, de alguna manera, restituir y reivindicar la complejidad, no reescribir héroes o resucitar fantasmas.

-5. Sobre la espiritualidad.

La espiritualidad que me interesa en este momento de mi vida no es dogmática ni institucional.

Estoy en un proceso de búsqueda, a veces fragmentaria, a veces -incluso- contradictoria, que atraviesa muchas fuentes diferentes, tradiciones antagónicas y vivencias personales determinantes.

No busco "pureza" moral ni la coherencia perfecta (a fin de cuentas humanos somos). De hecho acepto la ambigüedad como parte constitutiva de la experiencia humana, sin que por ello acepte un relativismo constante, utilitarista y simplón abocado a la tergiversación y a la deconstrucción estúpida y sin sentido.

-6. Método personal.

Mi método  de trabajo (por llamarlo de alguna manera) se basa en cinco principios o aspiraciones principales:

-Integración: Cada figura que despierta mi interés debe encajar en un marco más amplio.

-Archivo vivo: Una lectura o indagación no puede cerrarse a una única perspectiva. Mirar desde  diversos ángulos puede contribuir a acercarse a una visión mas certera o ajustada.

-Ejes transversales antes que cronologías rígidas.

-Lectura lenta, sosegada y lo más variada posible.

-Síntesis propia, personal, como parte necesaria y como horizonte que sostiene mis pretensiones intelectuales.

De hecho no trabajo ni indago para concluir rápido y "alimentar" mis blogs o saciar mis curiosidades, lo hago para encontrar y sedimentar sentido.

-7.  Ética del trabajo intelectual.

Escribo este manifiesto como recordatorio y como compromiso en un intento personal de:

-No reducir la complejidad para hacerla más manejable (salvo determinadas excepciones expositivas); 

-No confundir novedad con profundidad; 

-No sacrificar la dimensión humana en favor del sistema o la ideología;

-Escribir solo sobre aquello que, honestamente, crea que podría defender en el tiempo (el conocimiento que busco no tiene nada que ver con el espectáculo).

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En cualquier caso, este manifiesto NO es definitivo.

Es un punto de apoyo.

Lo revisaré, ampliaré o matizaré con el paso del tiempo aunque nace con la vocación de no ser olvidado.

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