Cabeza de Bodhisattva. Museo Cernuschi. París.

Esta impresionante pieza del Musée Cernuschi es una Cabeza de Bodhisattva esculpida en mármol blanco, una piedra característica de los escultores de la provincia de Hebei, en China.

La escultura se identifica como un bodhisattva (un ser que busca la iluminación para ayudar a otros) debido a los ornamentos en su peinado y los mechones de cabello sueltos. Presenta una ūrṇā (un pequeño círculo o protuberancia) en la base de la frente, un signo de visión espiritual y uno de los rasgos físicos distintivos de los seres iluminados. A pesar de los daños en la nariz y los labios, el rostro mantiene una profunda sensación de paz. Esto se logra mediante los párpados entrecerrados, que sugieren un estado de meditación profunda y retiro del mundo exterior.

El uso de mármol blanco es notable, ya que permite un acabado suave que resalta la serenidad del rostro. Es una pieza de tamaño monumental, lo que indica que originalmente formaba parte de una estatua de cuerpo completo casi a escala real o mayor.

Por sus rasgos estilísticos, se asocia con el florecimiento de la escultura budista en el norte de China, probablemente de finales del siglo VI o principios del VII (dinastía Sui o inicios de la Tang).

Ocio Inteligente: para vivir mejor: Lugares (99): París. Museo Cernuschi.

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Fotos: Javier Nebot

Guanyin. Museo Cernuschi. París.

Esta estatura representa a Guanyin, el Bodhisattva de la Compasión, una de las figuras más queridas y veneradas del budismo en Asia oriental.

Aparece sentada en postura de meditación sobre un trono de loto.

La pieza data de la dinastía Ming (1368-1644), específicamente de los siglos XVI o XVII. 

Es una escultura de metal (probablemente bronce o una aleación similar) que conserva restos de una elaborada decoración.

 La figura presenta los atributos clásicos que identifican a esta divinidad en el arte chino:

-Atavío Real, como corresponde a un Bodhisattva, viste lujosas vestiduras con bordados finamente detallados y joyas pesadas.

Lleva una corona alta y muy trabajada. Es común que en el centro de estas coronas aparezca una pequeña imagen de Amitabha, el Buda de la Luz Infinita, de quien Guanyin emana espiritualmente.

La mano derecha está levantada en un gesto (mudra) que suele simbolizar la enseñanza o la ausencia de miedo. La mano izquierda sostiene un pequeño recipiente, posiblemente un jarrón de agua pura (o néctar), que utiliza para aliviar el sufrimiento de los seres.

Esta obra es un excelente ejemplo del estilo Ming, caracterizado por una mayor naturalidad y elegancia en comparación con periodos anteriores. La serenidad del rostro, con los ojos entrecerrados en meditación, invita al espectador a un estado de calma. La base de loto, símbolo de pureza que nace del fango, refuerza el mensaje espiritual de la obra. 

Sus dimensiones (75 cm de altura por 46 cm de ancho).

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Fotos: Javier Nebot

La Tigresa. Museo Cernuschi. París.

Esta impresionante pieza de bronce es conocida como "La Tigresa" (o Hu You). Se trata de un recipiente ritual para vino que data de finales de la dinastía Shang (alrededor del siglo XI a.C.) en China.

 Algunos detalles sobre esta fascinante obra maestra:

-Doble Identidad: Solo existen dos versiones originales conocidas de esta pieza en el mundo. La que se conserva en el Musée Cernuschi de París, que es la que muestro, y la que existe en el Sen-oku Hakuko Kan en Kioto, Japón.

El significado exacto de la tigresa con el hombre es un misterio. 

Algunos historiadores sugieren que representa la protección de los antepasados o un chamán en trance, mientras que otros lo ven como una representación de la unión entre el mundo humano y el animal.

El cuerpo está cubierto de intrincados relieves típicos del arte Shang, incluyendo máscaras taotie (monstruos míticos), dragones y aves. Además, sobre el asa suele aparecer la figura de un pequeño animal, como un ciervo o una cabra.

Función Ritual: Se utilizaba en ceremonias religiosas para contener y servir vinos aromáticos ofrecidos a los antepasados o a las divinidades.

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Fotos: Javier Nebot

Cierva y ciervo de pie. Museo Cernuschi. París.

 

Los ciervos mostrados en este post proceden del Japón.

Fueron realizados en el siglo XIX (finales del periodo Edo o principios del periodo Meiji) y son de bronce con una pátina negra profunda y lisa.

Tienen un tamaño considerable, alcanzando los 100 cm de altura.

Ambas obras fueron adquiridas personalmente por Henri Cernuschi durante su gran viaje por Asia entre 1871 y 1872 (poco después de salir del agitado Paris post-comuna). 

A su muerte en 1896, las pieza pasaron a formar parte del legado que fundó el museo y hoy se exhiben en un lugar princiapal.

Lo que hace especiales a estas esculturas es, sin duda, la extrema sobriedad y elegancia que muestran. 

A diferencia de otros bronces más ornamentados de la misma época, estos ciervos destacan por sus líneas fluidas: El escultor logró capturar la gracia natural del animal con formas redondeadas y una superficie tan perfecta que parece invitar al tacto (aunque resistan la tentación porque, por supuesto, está prohibido tocarlas).

Ambas piezas reflejan muy bien la maestría de los fundidores japoneses para representar el reino animal con una mezcla de realismo y una extraordinaria sensibilidad poética.

En la tradición asiática, el ciervo es a menudo un compañero de los inmortales y un símbolo de larga vida y prosperidad. 

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Fotos: Javier Nebot

Cabeza de Arhat. Museo Cernuschi. París.

 

Esta obra representa a un Arhat, un discípulo de Buda que ha alcanzado un alto nivel de perfección espiritual. A diferencia de las representaciones idealizadas y serenas de los Budas o Bodhisattvas, los Arhats suelen mostrar rasgos humanos muy marcados, a menudo expresando emociones o vejez.

Se atribuye su realización, generalmente, a la época de la dinastía Yuan (siglos XIII-XIV) y tiene un estilo mucho más realista y expresivo que el de la pieza mostrada en el post anterior.

Algunos rasgos Distintivos:

La Frente: Presenta arrugas profundas y onduladas que denotan sabiduría y una vida de intensa práctica espiritual.

La Expresión: Tiene una mirada intensa y una sonrisa levemente irónica o complacida, lo que le otorga una personalidad casi psicológica, típica del arte de este periodo.

Lóbulos de las orejas: Son alargados, un símbolo tradicional de la sabiduría budista y de su origen noble renunciado (pesados pendientes que estiraban el lóbulo antes de seguir la vida espiritual).

Material: Está tallada en piedra, probablemente mármol o piedra caliza, conservando una pátina que resalta la textura de la piel y los detalles del rostro.

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Fotos: Javier Nebot

Cabeza de Bodhisattva. Museo Cernushi. París.

Obra del siglo VI d.C. (Época de las Seis Dinastías, aproximadamente entre los años 550 y 577). Procede del Norte de China y el material utilizado para hacerla es arenisca (grés).

Mide aproximadamente 41 cm de altura.

Datos Clave y Estilo

-Iconografía: Se identifica como un Bodhisattva por la diadema ornamentada con palmetas y perlas que rodea su frente. Los Bodhisattvas son figuras que, habiendo alcanzado la iluminación, deciden permanecer en el mundo para ayudar a otros.

Esta obra es famosa por su "interioridad mística". En ella el rostro presenta una sonrisa arcaica muy sutil, ojos casi cerrados en meditación profunda y cejas que forman un arco perfecto que se une con el puente de la nariz.

Antes de pertenecer al museo esta pieza perteneció a la prestigiosa colección de Jacques Doucet, un famoso modisto y coleccionista de arte francés.

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Fotos: Javier Nebot

Bodhisattva de pie. Museo Cernuschi. París.

 

Esta estatua representa a un Bodhisattva de pie, una deidad que personifica la compasión infinita, posiblemente Avalokiteśvara o Maitreya, figuras centrales en el budismo que posponen su propia iluminación para ayudar a otros.

Su procedencia es China, específicamente del periodo del emperador Yongle (1403-1424), durante la dinastía Ming. Es una escultura de bronce dorado, lo que le otorga ese brillo tan potente y característico y una apariencia de gran lujo.

La estatua refleja una fusión de estilos; combina la elegancia y el naturalismo de la escultura china con la sensualidad y los ornamentos propios del arte tibetano y nepalí. Esto se debe a la estrecha relación política y religiosa entre la corte de los Ming y el Tíbet en esa época. 

Es considerada una de las obras más refinadas de la escultura budista del siglo XV por su equilibrio perfecto entre majestad y serenidad.

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